Era all'inizio del XX secolo. Un gruppo di artisti con una certa audacia iniziò a giocare con le idee, piuttosto che il desiderio di seguire ciecamente le convenzioni. Hanno avuto la possibilità di dare libero sfogo alla loro immaginazione e creare una nuova arte, o meglio un'anti-arte. Dopo tutto, ci si potrebbe chiedere, perché no? L'arte dovrebbe anche essere messa in discussione, messa alle corde e persino sventrata. Potrebbero scardinarlo con la loro anti-poesia e chiedersi allo stesso tempo: cosa abbiamo fatto finora, cosa faremo dopo?

Era l'arrivo del dadaismo, un'ideologia, un modo di vivere, e tanto che lo vivevano, bruciavano con esso. Il dadaismo fu proposto da Hugo Ball, scrittore dei primi testi che ne scolpirono le prospettive stravaganti, intorno al 1916. Fu poi il Cabaret Voltaire di Zurigo che li vide nascere e recitare poesie, fare musica o semplicemente creare. L'origine stessa della parola Dada riflette il loro stile più puro. Si dice che Tristan Tzara aprì un dizionario alla ricerca della parola più strana che gli apparisse davanti. Si è imbattuto in Dada, che significa "cavallo di battaglia" in francese. Come dirà più tardi Hans Arp: « Sono convinto che questa parola non abbia alcuna importanza e che solo gli imbecilli possano essere interessati ai dati. Quello che ci interessa è lo spirito dadaista, e noi eravamo tutti dadaisti prima dell'esistenza del dadaismo ». Tra i suoi principali rappresentanti c'erano artisti notevoli come Marcel Duchamp, Mina Loy, Picabia, Man Ray e Beatrice Wood, che hanno fatto la storia con le loro opere di sfida. La Fontaine di Duchamp, esposta in un museo, fu una provocazione per l'epoca e, anche se fu presto rimossa, segnò un cambiamento radicale nel mondo dell'arte: qualsiasi oggetto, per quanto banale ci possa sembrare, può essere artistico se viene spogliato del suo contesto. Per dirla in un altro modo, si potrebbe chiedere: ciò che non è arte, dipende dagli occhi dell'artista, dagli occhi dello spettatore, dal contesto o dalla sua idea? Forse tutto questo o niente, un modo di pensare molto Dada o, se è per questo, fluxus.

Negli anni '60, il movimento fluxus camminava lungo le idee che il dadaismo aveva proposto. Si proclamava come un movimento sociologico e, come Dada, era riluttante a categorizzare o definire. Parlava di un'arte totale, in cui i confini tra le discipline erano sfumati e il concetto gli permetteva di cercare strumenti in tutti i rami della cultura che voleva. Entrambi i gruppi fondevano l'arte, i giochi, le banalità e l'assurdo, e credevano nella nozione che "ogni individuo è un'opera d'arte in sé". Per loro, la vita era una composizione artistica globale.

A che punto di tutto questo periodo d'oro è nata l'arte attivista? Nina Felshin lo ha definito nell'introduzione al suo libro But Is It Art?: The Spirit of Art As Activism (Ma è arte? Lo spirito dell'arte come attivismo), come un ibrido tra il mondo dell'arte e quello dell'attivismo politico, emerso intorno agli anni 70. Joseph Beuys, il Marcel Duchamp del movimento fluxus, si definiva uno scultore sociale e diceva che « ogni uomo è un artista e rende produttivi i segreti ». Nelle sue parole si intravedevano le stesse premesse che avrebbero portato all'arte attivista: da un lato, l'arte diventava un'influenza per il cambiamento sociale e, dall'altro, come afferma l'arte femminista, "il personale è politico".

Negli anni '50, lo sviluppo dell'artivismo andò di pari passo con l'interrogazione. Gli artisti concettuali si allontanano dalle tradizioni artistiche e incitano al dubbio, una ricerca insaziabile di risposte che porta al confronto politico e sociale. Da allora, e a partire dagli anni '70, si generarono movimenti controculturali di attivismo di sinistra che posero le basi dell'Artivismo, come l'Internazionale Situazionista (Francia), gli Yippies (USA), gli Indiani Metropolitani (Italia), i Provos (Olanda) o la Spassguerilla (Germania). In Spagna, gruppi come La Fiambrera e la Scuola di Agustín Parejo sono emersi a partire dagli anni '80.

Multiculturalismo, diversità e denuncia è il panorama che circonda l'arte attivista di oggi; un presente che respira ancora quei primi movimenti e in cui prevale il cambiamento, l'antitesi dell'arte per l'arte. Artivismo è arte per una causa.