Danze tradizionali e artivismo indigeno | rivitalizzazione
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Il 15° anniversario del Coastal Dance Festival riunisce artivisti indigeni nazionali e internazionali per condividere e sostenere la comunità globale di danza tradizionale e arte indigena.
La compagnia di danza Damelahamid, in collaborazione con l'Anvil Centre, presenta il 15° Coastal Dance Festival, una celebrazione annuale delle storie, dei linguaggi, delle arti visive, della regalia e delle canzoni, così come delle pratiche di danza, attraverso il movimento contemporaneo, riconoscendo le diverse culture e il potenziale artistico di un'identità indigena unica.
Sara Marielle Gaup è cresciuta a Kautokeino (in lingua sámi Guovdageaidnu) in Lapponia (in lingua sámi Sápmi) ed è una "juoigi" (o "yoiker", cantante Sámi ispirato a un luogo o a una persona) tradizionale e moderna, un'artista, una madre e una produttrice "duodji" (artigianato tradizionale Sámi), impegnata in workshop e concerti tradizionali "luohti" (o yoik, forma tradizionale di canzone nella musica Sámi). Da oltre 20 anni, Sara Marielle Gaup è conosciuta soprattutto per essere la vocalist e compositrice nei gruppi musicali di fama internazionale Adjágas e Arvvas. Collabora inoltre con diversi artisti, musicisti e registi. Insieme a sua sorella Risten Anine Gaup ha creato OZAS, un progetto di musica e arte audiovisiva, una continuazione della loro collaborazione artistica di una vita, una piattaforma per i loro progetti del cuore ed espressioni culturali, basati sui loro valori, passioni e impegno sociale. Sara Marielle Gaup è un'attivista e ha un'agenda decolonizzante con tutto ciò che fa. Come poche, indossa il gákti (costume tradizionale Sámi di pelle di renna) ogni giorno. A causa della colonizzazione e del battesimo del Sápmi, che ha portato a una grave diminuzione e quasi scomparsa della cultura Sámi, il progetto di lunga data di Sara Marielle Gaup è sempre stato quello di preservare e rivitalizzare il luohti tradizionale e di imparare il più possibile dagli anziani e dai detentori della conoscenza culturale Sámi per trasmetterla alle generazioni future.
Terri-Lynn Williams-Davidson è una musicista, autrice, attivista, artista e avvocato che si è dedicata alla continuazione della lingua e della cultura Haida. Nata a Haida Gwaii, al largo della costa occidentale del Canada, Terri-Lynn è stata una promotrice della musica e della lingua Haida fin dall'età di 13 anni, quando è stata attratta dalle canzoni cantate dalla sua bisnonna centenaria e da sua nonna.
Robert Davidson è uno dei più rispettati e importanti artisti visivi contemporanei del Canada. Originario della costa nord-occidentale di discendenza Haida e Tlingit, è un maestro scultore di totem e maschere. Inoltre, lavora con una varietà di media come stampatore, pittore e gioielliere. È conosciuto soprattutto come un impeccabile artigiano la cui interpretazione creativa e personale della forma tradizionale Haida è ineguagliabile. Il suo stile distintivo è apprezzato dalla comunità Haida e dagli studiosi di arte contemporanea, e molte delle sue opere sono considerate capolavori post-moderni. Il suo lavoro è ricercato dai collezionisti a livello internazionale.
Gli Spakwus Slolem (lett. "Danzatori del Canto dell'Aquila"), sono membri della Nazione Squamish. Il gruppo presenta uno sguardo nella loro cultura attraverso il canto, i tamburi, la danza e la partecipazione del pubblico. Gli Spakwus Slolem sono lieti e onorati di presentare canti e danze di ieri e di oggi, e si sentono molto onorati di rappresentare il loro popolo in modo positivo, come volevano i loro antenati. Gli Spakwus Slolem si sono esibiti in tutto il mondo, tra cui Taiwan, Giappone, Hawaii ed Europa.
La Dancers of Damelahamid (membri del Gitxsan, lett. "il popolo del fiume della nebbia", dei gruppi Cree) è una compagnia di danza indigena della costa nordoccidentale della Columbia Britannica con una ricca storia di danza in maschera che ispira una performance avvincente. The Dancers of Damelahamid ha prodotto l'annuale Coastal Dance Festival dal 2008. Le loro opere complete includono Setting the Path (2004), Sharing the Spirit (2007) e Visitors Who Never Left (2009). I lavori di recente creazione includono Spirit Transforming (2012), In Abundance (2014), Flicker (2016) e Mînowin (2019). La performance della compagnia di danza Damelahamid per il Coastal Dance Festival 2022si concentrerà sulla forza degli anziani indigeni nel portare avanti le pratiche artistiche attraverso le generazioni.
Rainbow Creek Dancers (in lingua haida "tuul gundlas cyaal xaada", lett. "Danzatori del Ruscello Arcobaleno") è stato formato nel 1980 dai fratelli Robert e Reg Davidson, come risposta alla rinascita della cultura Haida nei primi anni '70 e in celebrazione delle danze cerimoniali tradizionali della popolazione Haida. Con le loro innovative maschere, regalie e canzoni create dai rinomati artisti Robert Davidson e Reg Davidson, e da altri membri del gruppo, sono diventati un'ispirazione per molti gruppi di danza. L'obiettivo della compagnia Rainbow Creek è quello di ridare significato alle canzoni e alle danze dei loro antenati, eseguendole come gli è stato insegnato dai loro anziani. Seguendo il percorso dei loro antenati, si sforzano di crescere continuamente e di connettersi con cerimonie che sono rilevanti oggi per tutte le persone. Per fare questo, creano nuove canzoni e danze, costruendo sulle fondamenta culturali dei loro antenati e attingendo alle loro collettive esperienze culturali, cerimoniali e professionali. I Rainbow Creek Dancers si sono esibiti in luoghi ed eventi stimati in tutta la Columbia Britannica, in Canada, negli Stati Uniti e a livello internazionale.
Tutti gli eventi del Coastal Dance Festival 2022 si svolgeranno dal 21 al 24 aprile presso il centro culturale polivalente Anvil Centre, nei territori tradizionali, ancestrali e senza concessione del popolo Qayqayt (qəyqəyt).
di Sara Florence Davidson e Robert Davidson, illustrazioni di Janine Gibbons
Dai creatori di Potlatch as Pedagogy: Learning Through Ceremony, la serie delle storie Sḵ'ad'a porta in vita l'apprendimento intergenerazionale. I bambini Haida imparano importanti lezioni di vita dai loro anziani attraverso situazioni di vita reale, tradizioni culturali ed esperienze sulla terra.
« Un ragazzo Haida impara importanti lezioni di vita da suo nonno in questa "lettera d'amore agli anziani" »
Basato sulle esperienze dell'artista Haida Robert Davidson con Tsinii (suo nonno), questa tenera storia evidenzia la conoscenza intergenerazionale e le esperienze di apprendimento autentico. Al largo della punta settentrionale di Haida Gwaii, un ragazzo va a pescare con Tsinii, suo nonno. Mentre osservano il tempo, pescano l'halibut e remano con le maree, il ragazzo si rende conto che c'è molto di più da imparare da Tsinii che come prendere un pesce.
Volume 2 Learning to Carve Argillite Mentre si esercita a diventare un abile intagliatore, un ragazzo Haida impara importanti lezioni di vita dai suoi anziani.
Basato sulle esperienze d'infanzia dell'artista Haida Robert Davidson, questa bella storia mette in evidenza l'apprendimento attraverso l'osservazione, così come il ruolo degli anziani nel condividere la conoscenza e la guida. Imparare a scolpire è un viaggio che dura tutta la vita. Con l'aiuto del padre e del nonno, un ragazzo di Haida Gwaii si esercita per diventare un abile intagliatore. Mentre lavora attentamente su un nuovo pezzo, ricorda un viaggio a Slatechuck Mountain per raccogliere l'argillite, così come le parole di suo padre sull'importanza di guardare indietro per aiutarci a trovare la nostra strada.
Volume 3 Returning to the Yakoun River Vivi l'esperienza di un campo di pesca Haida attraverso gli occhi deliziati dei bambini mentre imparano dalla terra e dai loro anziani.
Basato sui ricordi d'infanzia dell'autrice Sara Florence Davidson, questo racconto illustrato cattura la gioia e l'avventura di un campo di pesca Haida. Ogni estate, una ragazza Haida e la sua famiglia risalgono il fiume Yakoun su Haida Gwaii, seguendo i salmoni. Mentre il padre pesca, la ragazza e suo fratello passano il tempo sulla terraferma giocando e imparando da Tsinii (il nonno).
Volume 4 Dancing With Our Ancestors Impara il significato culturale del potlatch Haida attraverso le immagini, i suoni e le danze di questa cerimonia un tempo vietata.
In questo tenero libro illustrato, Sara Florence Davidson trasporta i lettori nell'eccitazione di un potlatch a Hydaburg, Alaska, il suo ultimo ricordo di danza con il suo defunto fratello.
« È come se io e mio fratello avessimo sempre saputo cantare le canzoni e ballare le danze dei nostri antenati Haida. A differenza di nostro padre, siamo nati dopo che le leggi che vietavano le nostre pratiche culturali sono state cambiate. Il divieto del potlatch non esisteva ai nostri tempi, così siamo cresciuti ballando e cantando fianco a fianco. »
Gli inviti sono stati spediti. Il cibo è stato preparato. Le decorazioni sono state appese. E ora il giorno del potlatch è finalmente arrivato! Ospiti da tutto il mondo vengono a testimoniare questa dolce-amara ma gioiosa celebrazione della cultura e della comunità Haida.
Teacher Guide for the Sk'ad'a Stories Series: Intergenerational Learning and Storytelling in the Classroom Porta le pedagogie indigene nella tua classe con i libri delle Sḵ'ad'a Stories e questa guida per gli insegnanti.
Scritta dall'autrice di Sḵ'ad'a Stories Sara Florence Davidson e dall'educatrice Katya Adamov Ferguson, la Guida per gli Insegnanti delle storie Sḵ'ad'a aiuta gli insegnanti a coinvolgere i loro studenti attraverso la lente dell'apprendimento intergenerazionale e delle esperienze autentiche. Questa guida per l'insegnante è adatta a tutti i livelli:
- delinea i principi della Sḵ'ad'a che si trovano nelle storie
- mostra come usare i principi della Sḵ'ad'a in classe
- fornisce il dietro le quinte del pensiero degli autori e dell'illustratore
- spiega il significato di questa serie come parte della rinascita e della conservazione della cultura Haida
- fornisce prospettive critiche sull'impatto del colonialismo sulle conoscenze Haida
- include risorse e ispirazioni per gli educatori Continua a leggere
di Elaine Keillor, Timothy Archambault e John M. H. Kelly
La musica dei nativi americani ha avuto un'influenza maggiore sulla musica occidentale di quanto molti si rendano conto. Per esempio, il primo canto di Natale nordamericano ha radici indigene e risale al 1640. Il vibrato veloce e il tono di falsetto prodotto dalla parte posteriore della gola nella musica blues sono radicati in alcune importanti pratiche musicali amerindie. Oggi, i musicisti con l'eredità dei Primi Popoli sono stati influenti in diverse forme occidentali, tra cui l'opera, l'hard rock e il country.
Questo libro è una risorsa di riferimento unica per la stragrande varietà di espressioni musicali delle culture dei Primi Popoli del Nord America, sia del passato che del presente. L'Enciclopedia della musica dei nativi americani del Nord America documenta le pratiche musicali sorprendentemente varie tra i primi popoli del Nord America, sia storicamente che nel contesto moderno. Fornisce una panoramica dettagliata ma accessibile e accessibile dei contributi sostanziali e dell'influenza dei Primi Popoli che può essere apprezzata sia dal pubblico nativo che da quello non nativo, indipendentemente dalla loro familiarità con la teoria musicale. Le voci affrontano come gli etnomusicologi con l'eredità dei Nativi Americani stiano rivoluzionando gli approcci alla disciplina, e mostrano come i musicisti con l'eredità dei Primi Popoli stiano influenzando le forme musicali moderne, tra cui il flauto nativo, l'orchestrazione degli archi, il gospel e l'hip hop. L'opera rappresenta uno studio accademico molto necessario sulle culture musicali dei Primi Popoli, un argomento che è di crescente interesse per i Nativi Americani così come per gli studenti e i lettori non nativi.
- Fornisce risorse cartacee e Internet con ogni voce
- Presenta informazioni esclusive derivate dalla ricerca personale e dal lavoro sul campo dei redattori
- Include una linea temporale che evidenzia gli sviluppi importanti nelle espressioni musicali dei Primi Popoli
- Fornisce un indice che permette agli utenti di cercare facilmente tutte le informazioni rilevanti su un argomento Continua a leggere
Hungry Listening è il primo libro che considera l'ascolto sia da prospettive indigene che coloniali. Come risposta critica a ciò che è stato chiamato "bianchezza degli studi sul suono", Dylan Robinson valuta come le pratiche decoloniali di ascolto emergano dalla crescente consapevolezza della nostra posizione di ascolto. Questo, sostiene, implica l'identificazione delle abitudini di percezione coloniale dei colonizzatori e il contendere con l'"orecchio di latta" del colonialismo che rende muti i fondamenti epistemici del canto indigeno come storia, legge e medicina. Con casi di studio sulla partecipazione indigena alla musica classica, ai musical e alla musica popolare, Ascolto affamato: Teoria risonante per gli studi sonori indigeni esamina le strutture di inclusione che rafforzano i valori musicali occidentali. Accanto a questa indagine sui termini non marcati dell'inclusione nelle organizzazioni di arti performative e nella pratica compositiva, Ascolto affamato: Teoria risonante per gli studi sonori indigeni offre esempi su come "fare sovranità" nell'arte performativa indigena, nell'esposizione museale e nei raduni che sostengono una rinascita dell'ascolto indigeno. In Ascolto affamato: Teoria risonante per gli studi sonori indigeni, Dylan Robinson mostra come forme decoloniali e risorgenti di ascolto possano essere affermate scrivendo altrimenti sull'esperienza musicale. Attraverso partiture di eventi, improvvisazione dialogica e forme di risposta e rifiuto poetici, egli richiede un riorientamento verso l'atto della lettura come modo di ascoltare. Le relazioni indigene alla vita della canzone sono qui sostenute in una scrittura che trova risonanza nell'esperienza intersoggettiva tra ascoltatore, suono e spazio.
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Perché il capezzolo femminile è così controverso? Perché questa parte del nostro corpo, così piccola ma così cruciale, fa sì che le donne vengano bannate, censurate e penalizzate online?
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